钢琴学习和演奏中的两个关系：一、美的音质和富于变化的触键，二、松弛与紧张的协调。

一、美的音质和富于变化的触键

所谓音质是指钢琴所发出声音的质地和音色。每架钢琴都有自己独特的音质，而同一架琴，以不同的人或不同的方法来弹，音质也会有不少差异，表明音质与弹奏技术有直接关系。在钢琴练习和演奏中掌握正确的方法，弹奏出美的音质，是演奏者始终追求的重要技术和艺术标准。通常对音质的认识和鉴别主要是通过听辨，而用语言描绘就比较间接，但一般来讲，美的钢琴音质应该是声音集中、有颗粒性、泛音丰富、有歌唱表现力，动人之心脾。正如有人提出要把钢琴的每一个音当作一口钟来弹，出来的声音像钟声，富于共鸣和泛音才是好的音质。这对学习者认识美的音质可谓是十分传神和精妙。美的音质是钢琴音乐表现中十分重要的因素，是钢琴音乐的灵魂。音质的好坏，直接关系到对音乐的表现力和对音乐欣赏者的吸引力、感染力。此外音质还与琴声的穿透力和传远力有关。例如有人弹出的琴音，近处听很响，但在乐队中或稍远处听时，声音就不清晰了，穿透力也不强。这些都与弹奏的音质密切相关。所以掌握科学的弹奏方法，控制好钢琴音质，是钢琴学习、演奏中的一个重要技能和技术标准。

控制音质与手指的用力和触键方法有着直接的关系。由于人的生理条件不同、手型等的各异，弹奏方法也不可能要求一个模式。“世界上绝对不会有两位钢琴家的手型完全一样”，但却有着科学和共性的原理。首先应该是手指的发力点和掌指关节(手掌到手指的第一个关节)的灵活性。掌指关节是手指发力的关键，手指弹琴的力，要来自这个关节。这个关节如不能发力，手、手腕就容易紧张僵硬，弹出的声音可能很响，但音质不集中或僵硬，无传远力，此外这也会直接影响到弹琴的速度能力。特别是对初学者而言，掌指关节的灵活训练就像舞蹈演员练习踢腿下腰，是重要的基础训练。当然，随着演奏技术的不断提高，其他部位也会协同用力，而不是孤立的运用这一发力动作。特别注意不是无节制的发力，力量太大、太小都直接影响音质，最佳力度应以弹出最佳音质为判定标准，练习时应通过仔细的听辨找到最佳用力感觉。其二是手指触键的部位对音质具有明显影响。如，用指腹(指纹中心部位)触键，音质会相对柔和，富有连音效果;用指尖(近指甲部位)触键，音质则相对会明亮有力，富有颗粒性。随着手指与琴键的角度改变，音质会出现微妙的变化。其三是触键时手指抬的高度对音质有较大影响。特别是在速度稍快时抬得过高就不易控制音色，也影响速度。初学者，可能练习抬指高些，随着技术的提高和作品的需要，保持较小的指、键距离是控制音质和速度的重要方法之一。总之，不论是哪种方法，在演奏中弹出美的、动人的音质是追求的审美目标，而弹出更丰富多彩的音色变化，让琴音表达出各种不同的光和色及不同的音乐感觉，是对音质要求的更高境界。所以，掌握多样的触键方法，控制出各种音质的表现，不拘泥于单一、缺乏变化的触键和弹法，是钢琴学习和演奏中应十分注意的原则。

二、松弛与紧张的协调

在钢琴课中教师经常会要求学生放松，“放松”的确是钢琴演奏中十分重要的要领。但放松应该是相对的，紧张也是相对的。如果过于松弛和过于紧张，都不能弹好琴。这里所谓紧张，是指过分紧张，一般包括两个方面：一是精神紧张，二是技术方法上的紧张。精神紧张属于心理方面的原因，与个人的性格、经历、生活环境等有关，但更主要的还是技术水平对心理的影响。俗话说：“艺高人胆大”，就充分揭示了技术水平与心理的关系。身怀绝技自然就潇洒无惧，所以掌握高超的技术，是克服心理紧张的最佳方法。另外，暗示、转移注意力、深呼吸、读数、默想曲谱等，也是克服临场紧张的好方法。三是需要有经常登台演奏、适应演出环境的练习，才能建立起良好的表演心理状态。技术上的紧张一般是指手指和身体的僵硬。手指的僵硬一般是由于掌指关节不灵活造成的。前面谈到的掌指关节的发力和灵活性训练，就是解脱手紧张的重要方法之一。手关节紧张不能弹出自如的音乐，但手太松也不能弹出具有控制力的音色，所以要将松弛和必要的紧张结合起来。比如在弹琴时，手要求放松，而掌指关节发力点则需要有一定的紧张度;臂部、肩、手要求放松，最后的落点是在指前端，这一部分则不能松，此即所谓松中有紧。再就是演奏动作中的松紧结合，根据作品的需要，有时要强奏，有时音区跨度大需要大幅度动作，身体的臂、肩、腰或全身都要用力。这就要有一定的张力和相对的紧，但不是僵，是要有弹性的、松紧适度的。当然，做到用力部位的协调与恰当结合，必须具备一定的技术水平，需要长期训练才能掌握。对初学者来说，不能要求一步到位，急于求成反而容易产生误解造成紧张，使手僵化。总之，弹琴过程中心理和身体各部位的松弛与紧张，是既矛盾又统一，是相对的。例如有的部位要放松，有的部位则要有一定的紧张才有支点;根据音乐表现的需要，有时心理要平缓放松，有时却需要有一定的激情和紧张度。关键是把握好松弛与紧张的“度”，需要克服的是“过度的”松弛与紧张，而松弛与紧张的有机协调，构成变化多端的力量组合去完成千变万化的音乐表现，是钢琴演奏者应该具备的弹奏用力技巧。

三、技巧训练与思想文化修养的统一性

技巧是表现音乐的手段，刻苦练习技巧是必须的。但是技巧又是为音乐服务的，所以技巧不是空洞的。这一点虽然是众所周知，但在实际学习过程中，却经常会不自觉地出现重技巧练习，轻音乐表现的现象。分析其原因主要有二，一是技巧练习是对肌体和意识的能力训练，需要长期的、不断重复的练习才能有效。二是认为技巧达不到要求，音乐表现就无从谈起。所以单纯的技术练习就占据了钢琴学习的很多时间，久之就形成了以技术练习为主的钢琴学习过程。笔者认为，技巧练习是获得艺术表现能力的必经之路，需要有专门的练习，但关键是不能为技巧而技巧，应时刻不忘用技巧表现音乐内容，时刻注意技巧与音乐表现并举同进。因为音乐表现是钢琴演奏的目的，而且音乐表现与技巧的获得也有着不可分割的密切关系。苏联钢琴教育家涅高兹就曾说：“灵魂深处为音乐所激动而像着了迷似的练钢琴的人，热爱音乐和钢琴这一乐器的人，必将掌握辉煌的技术，必然善于表达作品中的艺术形象，必将成为表演家。”这段话深刻揭示了技术与音乐表现的关系。一个热爱音乐的人，才有极大的动力练习技术，一个被音乐激动的人，才会将技术和音乐表现融为一体。音乐是技术表现的，但没有感情、没有思想是绝没有音乐的。所以说，技巧不是孤立的，它与演奏者的整体修养和素质密不可分。

学习钢琴，除了要对音乐非常之热爱，同时注重对生活的体验、丰富自己的阅历和提高思想修养是钢琴学习过程中不可缺少的内容。一个思想空洞贫乏的人，其艺术想象力就无从谈起，对文学、哲学、历史都不懂，就无法深入分析理解作品和表现作品，也就很难表现出有深度的技巧。广泛地吸取各方面的知识，提高思想和艺术修养，诸如美术、文学、戏剧等等，对学习钢琴都有着重要的作用。比如我们弹德彪西的《水中倒影》，就要对“印象派”这个名词有一定的理解，在美术上，印象派画风的特点就是突出光和色的表现，德彪西的印象派音乐也是表现光和色。这就需要演奏者对光和色的敏感、联想和深层理解，并以相应的技术表现出这些意境来。没有审美能力和思想修养，即便技术全面，也不能把技巧化为有感情的音乐，也弹不出这首曲子的深层含义。有人说一个真正的音乐家应该是一个思想家，对社会历史、文化发展、道德文明都应该有较高修养，才能真正地把琴弹好。例如那些严肃的古典作品，每首作品都包含着作曲家对当时社会生活的体验，反映着深层的思想内容，钢琴学习者如果没有一定的艺术和思想文化修养，是不容易理解贝多芬那种从苦难走向欢乐，从斗争走向胜利的英雄主义的音乐内涵，也很难理解肖邦那些“藏在花丛里的大炮，向全世界宣告，波兰不会亡!”(舒曼语)的钢琴作品中的民族情感。没有认识就更谈不上用技巧表现音乐了。所以，钢琴学习绝不单单是学技术，而心理、思想和艺术修养的培养训练，也是极为重要的学习内容。甚至可以说是技巧训练的一个重要部分，它与技巧训练相辅相成不可分割，不可或缺，构成了技术、艺术协调统一的钢琴音乐艺术表现整体。